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那个画了三十年花布的人为什么会被写进美术史?

发布时间:2015-06-16 作者:guoxd 标签:[丁乙]

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       丁乙的作品非常容易描述:他只用两种笔法“+”“×”,通过在画面上的不断重复、变形,以及不同颜色的组合来表达自己的艺术理念。在他早期未成名的时候,这些工艺美术般的作品被人讥讽为“花布”,或者像是漂亮的被单、裙子、雨伞图案;可能三十年过后,即便在当代艺术市场已经步入成熟增长的时期,对于绝大多数的人来说,它们依旧只是陈列在美术馆里的“昂贵花布”而已。
       实际上,无论是文字说明,还是在印刷品或是网络上所看到的图片,都远远不及现场面对它们所感受到的那么丰富。原作的尺幅通常都比较大,色彩的选择反映出创作者对整个美术史的熟知与理解,那些线条或者歪歪扭扭、或者整齐划一,最后呈现出来的格子阵列却始终严谨而规则。
       走近看时,你可以从任何一点开始,慢慢地顺着这条斜线延伸出去,遇到迎面而来的交叉点,于是随着另一条垂直线换个方向继续探寻——渐渐地感到眼花缭乱,目光抛弃了原有的线索,干脆往后退着观看整个画面。这时候,之前所有的细部都已经消失,眼前呈现出来的是一大块透视图案,是个巨大的米字、或是巨大的斜纹格。这系列的感受仿佛从微观世界来到宏观宇宙,伴随着每一幅作品而产生。
       “我觉得绘画一定要有观看性,一定要看不完,你才会想收藏,才会想不断地看。如果一眼就看完了,那就会厌倦,不会把它挂在餐厅里。如果每天都可以从中看出新的东西,那这就是绘画的魅力,也是对艺术家最大的考验。”丁乙在接受第一财经专访时说。
       近日于上海龙美术馆(西岸馆)开幕的丁乙个展“何所示”,非常阔气地用3000平米的空间来布展。策展人马啸鸿博士花了很多工夫来考虑艺术家近100件绘画作品与场馆不规则建筑空间的互动关系,试图营造独特的观展体验。同时,这位被认为是中国抽象派画家领军人物的艺术家过去十年各系列作品,也在这里做了一次完整的呈现。展览至7月26日。
       走国际路线的形式主义者
       很多艺术评论者认为,丁乙的创作与上海的城市特征密不可分。他于1962年生于上海,八十年代从上海工艺美术学校和上海大学美术学院毕业,此后的创作、成名都始终没有离开过上海。一种看法是,上海的城市化是整个中国的代表,于是才引发丁乙最为著名的“荧光色”系列作品;而另一种观点则认为,上海的社会背景从八十年代开始便鼓励艺术家发展自己的个性,而不是抱团有组织地跟随潮流,这才成就了始终都与主流保持距离的丁乙。
       但年轻的丁乙很早就非常明确自己既不属于上海、也不属于中国。
       “1993到1995年是西方做中国当代艺术的第一波热,那时我几乎参加了所有重要展览,但寄回国内的外国简报几乎都没有我。因为那时候媒体需要报道“来自中国的图像”——从这个意义来说我又不完全是中国的。从那时候我就知道自己不会成为明星,只能靠慢慢积累,几十年之后才会有厚重的东西。”他说。
       上世纪九十年代,八五新潮的火热余温尚存、国际市场上开始追捧来自中国的政治波普风格,那时候似乎革命意象、中国红色才是最为讨巧的选择。可是丁乙却在学生时代便意识到像林风眠、关良的“中西结合”路线很难走通,同时十分醉心于同期西方艺术界出现的抽象主义流派。
       “从蒙德里安、康定斯基开始,抽象在艺术史里的转折是非常伟大的:人类完全摆脱了对应世界的图形,从精神世界来表述艺术思想。”他说,“这样的伟大仅仅通过前面三五十年艺术发展是远远不够阐述清楚的。形象的历史有几千年,抽象历史这么短,所以有很大的余地。而中国的抽象又几乎是空白,在整个传统文化里面这也是几乎不存在的概念。”
       随着长久思索与实验,丁乙在抽象主义的系统里继续延伸连接到工艺美术和平面设计领域,转而便找到了他个人的标志性笔触语言:“+”“×”。
       “十字符号的意义是打破图像的意象化认知,完全没有联想的东西,就只剩下‘看’。”他解释道,自己手工一笔一笔地去画出这些交叉短线与格子,制造出工整而美观的图案,目的正是想让人们不带任何联想地去“观看”,感受纯粹的视觉体验,“让艺术不像艺术”。
       “不像艺术”当然只是一种表述,实际是为了把自己的艺术创作往前多推动一步,希望可以抛开意象而直接与观者交流理性思想。这也是为什么他的这些美丽“花布”能够在拍卖场上成为硬通货、价格逐年稳定上涨。“现在很多观众可能依然不能理解,但我相信他们还是会喜欢这些靓丽的东西,像衣服、雨伞上的花纹,愿意跟它们拍张照片。每个人的需要不同,有的远远欣赏就可以,有的人恨不能要融进去。”他倒也无所谓人们是否能够完全看得懂,展览现场看到大家都以作品为背景拍照显得很高兴。
       城市化内容,从歌颂到反省
       九十年代,整个当代艺术的潮流是具象的表现主义、政治波普、玩世社会主义,所以丁乙一反常态地强调作品没有意义,只剩下视觉。而在二十一世纪初,中国当代艺术圈再也不用仰视西方,而成为威尼斯双年展之类国际舞台的常客,对于艺术创作也可以与整个世界的潮流保持同步——此时的丁乙不用再担心意义问题,于是就找到了使用十字符号创作的寄托主题,城市化。
       1998年,一位加拿大艺术史学者探访丁乙工作室,看到这位36岁年轻有为的艺术家竟然在上海郊区过着与世隔绝的生活,不禁非常诧异:“为什么你们中国艺术家都关起门来画自己的,而不去关心社会发展?”因为在他看来,那时候的中国很像三十年代的巴黎,城市化、文化艺术都在酝酿巨大的变化、处于巨大混乱之中。但本应最为敏感的艺术家们都没有感觉到,还在画自己的东西。
       “他的谈话点拨了我,然后我就开始思考城市到底是什么。”丁乙说,“在那之前我每天都在我的town house(联排洋房)里面基本不出来,工作生活都在里面,只有吃饭的时候下楼;后来觉得这样不行,因为偶然隔一个月到市区来就会觉得陌生,一会儿这里出现一座楼、一会儿那里出现一座楼,如果不经常出来就会觉得很突然。”然后他就搬到了莫干山路附近,在工作室能够看到苏州河,直到这是才与城市开始发生关系,开始寻找表现当代城市的方法。
       最能体现城市化的东西可能就是霓虹灯。南京路上的灯箱广告、遍布各处的灯光、延安路高架开始做蓝色的灯光装饰,街道上车灯组成的流动光影,甚至证券交易所里的股市看板——一切都足以表现这个时代的符号信息。而这一切也都被丁乙捕捉下来,浓缩至他所擅长的短线、交叉线、方格,用荧光橙、绿、红来表现。
       刺激的颜色无形中成为当代艺术作品想要赚取人注意的最佳手段,于是40岁前后的这十年也成为丁乙获得市场价值和艺术成就较多的风光年代。
       但很快他就停下来了,突然决定不再画荧光色,而只画黑白灰色。其中一部分重要原因是长期对着荧光色细细地描画对眼睛很不好,而更深层来说,艺术家对城市化的主题开始有了反思。“初表现城市的时候把具体形象拉到眼前,而转到黑白时期就把现实放到更远处,用更宏观的视角去看世界。有时候像是从另一个星球看到的地球,透视结构上也更为宏观。”他说。
       而到了今年为这次展览而特地创作的新系列,隐藏在画面背后的情绪似乎又有了一次转变。为了与挑高九米的场馆相抗衡,丁乙选择用桦木板为材料,十幅净高五米的作品如同瀑布一样倾泻而下;表面以黑色为主调,除了白色线条画出方格与交叉线条之外,还辅以刀刻出来的纹路——黑色被剖开,露出了里面事先刷上的一层蓝绿色或红橙色颜料,刀口下得深的地方甚至可以看到木头本身的颜色与纹理。
       “你觉得它们有没有破旧感?有没有悲剧的情绪?”他曾这样试探地问前来参观的好友,“马博士说像是漆器里面的剔红,也有人说像碑帖和书法,对我来说也像是人类血管隐藏在里面,或者是伤痕。所以我觉得里面隐藏着某种感情,不是很鲜亮,承载着说不清楚的压抑、悲伤。表现力量爆发之前闷闷的状态,而最后爆发是什么并不知道。”
       为什么要表现这些?这与艺术家自己的心境有着紧密的关联。“以前很乐观,对未来觉得自己无所不能。就好像很多人在2008年之前(对社会)都满怀期望,但今天似乎每个人都有点问号。艺术家很敏感,就表现出来这种怀疑。”
       于是在今天,丁乙的十字符号本身代表着什么已经不再重要,它就像是他的专属笔触——重点在于用这笔触表达出来的思考。当观者站在画作面前,试图用自己的眼睛解读丁乙,同时也就是在与自己进行对话。

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